Entrevista a Juan Luis Salvatierra (diciembre de 2011)

Posted on Actualizado enn

Entrevista a Juan Luis Salvatierra, productor y manager (foto: La Gaceta)

 
HOMERO SANCHEZ: Gracias por ceder a esta entrevista. ¿Podés hacernos un breve repaso de tu vida como productor musical a modo de introducción?
 
J.S.: Me inicié como productor y manager de bandas de rock, casi de la mano. Empecé manejando y realizando recitales para La pared, una banda formada por Patricio Simón Padrós hace más de 12 años, luego paralelamente comencé con  la producción para bandas como Horcas, Karamelo Santo, festivales con bandas locales, etc.
 
– ¿Hace cuantos años que estás de manager de Karma Sudaca? ¿Manejás o manejaste otras bandas  además?
 
J.S.: Soy manager de Karma Sudaca hace 11 años en los cuales recorrimos muchos escenarios y festivales a lo largo del país, simultáneamente fui manager de Harakiri por 4 años y me inicié con la banda La Pared.
 
-¿Es difícil vivir de la música en Tucumán?
 
J.S.: No sé si es difícil, como toda actividad independiente tiene sus riesgos y sus créditos. si requiere de una gran responsabilidad  porque se trabaja con personas, nos debemos a los músicos y al público y debemos darles lo mejor en el espectáculo, en servicios y en la seguridad. Creo que es posible vivir de esto, no es fácil, pero es lo que me acerca a la música.
 
 
-¿Crees que realmente nuestra provincia cuenta con verdaderos talentos?
 
J.S.: Por supuesto que sí, y mucho talento, si no lo creyera no estaría en esta actividad. Admiro y respeto mucho a los músicos, sin ellos no existiría mi trabajo de manager, productor, tour manager y todo en lo que me desarrollé dentro de este ámbito.
 
-¿Cuáles son las principales barreras que se presentan al momento de hacer un recital en nuestra ciudad?
 
J.S.: Aquí en nuestra ciudad el principal obstáculo es la burocracia existente desde que iniciás los permisos para poder realizar un espectáculo (y más en el Rock), los altos costos de los impuestos, a los que se agrega que no existe una reglamentación clara sobre los mismos por parte del estado provincial.
 
 
-¿Cuál es la movida que a tu criterio ha crecido más últimamente?
 
J.S.: Creo que durante los primeros años del 2000 hubo una explosión de bandas locales, luego se paralizo un poco, aunque los músicos nunca dejaron de producir. Últimamente las bandas están trabajando cada vez más profesionales y sin dejar de lado sus convicciones. Considero que el reggae tuvo un crecimiento muy grande en los últimos tiempos.
 
– ¿Qué show o bandas que hayas presenciado te impactaron y resultaron inolvidables?
 
J.S.: A pesar de estar hace 11 años con Karma no deja de emocionarme la banda, me sorprende la respuesta del público y el crecimiento de los músicos año a año. Dentro de los shows y bandas locales como nacionales e internacionales, me impactaron muchos, por nombrar algunos puedo referirme cuando traje a “Todos Tus Muertos”, por ser una de las bandas que me marcó en mi vida personal. Traspasar el fanatismo y lograr traerla como productor fue para mi una gran experiencia, así también lograr traer shows como Morphine o Tony Levin a nuestra provincia.
 
 
– ¿Por qué crees que no existe la figura del productor profesional (salvo contadas excepciones) en nuestro medio?
 
J.S.: En lo personal Creo que sí existe gente preparada para realizar eventos, son pocos pero son profesionales en lo que hacen.
 
-¿Por qué crees que Tucumán no cuenta con un lugar adecuado para grandes recitales como Córdoba o Salta?
 
J.S.: Tucumán es una plaza muy importante en el país, es real que no existe un espacio con la infraestructura necesaria para grandes eventos, pero esto es responsabilidad de todos, el estado debe generar políticas que deben ir acompañadas del apoyo del ciudadano común y las empresas privadas. Entender que si le va bien a una parte, crecemos todos.
 
– ¿Qué bandas (a tu criterio) están emergiendo con fuerza hoy desde nuestra provincia, con proyección profesional a nivel nacional?
 
J.S.: Hay muchas bandas que se están proyectando tanto a nivel regional como nacional, y no solo en el ámbito del rock. Nombrar una sería egoísta.
 
 
-Contanos alguna anécdota de tu carrera que sea graciosa o relevante
 
 
 J.S.: Anécdotas hay muchas, una muy buena fue cuando viajamos a Bs. As. con Karma, una pareja se acercó a pedirle un autógrafo a Tony (cantante de la banda), él convencido de su parecido físico y de que estaban confundidos les aclaró: ” yo no soy Jorge Rojas” ( cantante de Los Nocheros), a lo que ellos contestaron: ” sabemos que sos el cantante de karma”, fue el primer autógrafo en Bs. As.
 
 
-Muchas gracias por tu tiempo y predisposición, y que tengas éxitos en tu carrera y tu vida personal.
J.S.: No, al contrario, gracias a vos, un abrazo.
Anuncios

Entrevista a Nicolás Aizicson (diciembre de 2011)

Posted on Actualizado enn

EB: Antes que nada gracias por concedernos esta entrevista en exclusividad.
¿En cuántos proyectos musicales participaste y desde qué edad?
NICOLÁS AIZICZON: Son prácticamente incontables. Empecé a estudiar a los 10 años de forma particular y toco en bandas desde los 14 (año 96), cuando comencé a tocar en bandas de colegio, bandas de covers. Luego a los 19 empecé en Ave nocturna (jazz/blues) y ahí descubrí un panorama musical más amplio. A partir de ahí participe en bandas de Rock, Reggae, Salsa, tango, jazz, bossa, música clásica, electrónica, etc. a los 24 años (2006) elegí la música como oficio y me dediqué por completo a ella.
EB: Contanos sobre tu proyecto Foot Massage y tu disco “María”, ¿cuál es el concepto que tiene como obra artística o qué quisiste transmitir?
NA: El proyecto FooT MaSSaGe nació hace a fines de 2007 en una época en que la música electrónica me gustaba e influenciaba. Habiendo pasado por tantos géneros y proyectos “de otros” había llegado el momento de crear mi propio espacio, mi propio estilo. Elegí tomar la electrónica como eje e incorporar al proyecto ese bagaje musical tan diverso que traia conmigo. Fue un maravilloso proceso el de encontrar ese lugar propio y se dio conjuntamente con el nacimiento de mi familia y de mi hija.
El disco “María” es mi ópera prima y, simbólicamente, mi graduación como músico. Por lo menos así lo viví yo. Creo que todo músico debe tener un material propio, bien trabajado, que obre como carta de presentación de su trabajo, de su particular forma de sentir la música.
 Es un disco ecléctico. La idea al principio era grabar 4 discos cortos (de 3 o 4 canciones cada uno). Un disco de ambient, otro de Tango electrónico, otro degroovefunk y house y el último bien Dance, bien arriba. Por supuesto que ésta idea era utópica y derivó en un solo disco de 9 canciones. La música electrónica como eje se desdibujó y quedó solo como una herramienta más junto con los otros estilos.
¿Qué hacer entonces con 9 canciones tan diferentes, de géneros diferentes? Tenía que “inventar” un hilo conductor  Pensé en qué me identificaba como músico, como persona… entonces le di forma de disco “religioso” entendiendo la religiosidad como la valoración de lo que es sagrado para cada uno, de la búsqueda de la comunión entre personas y con la naturaleza. Tomando imágenes de las religiones institucionales pero expresándolas con un poco de ironía, de sarcasmo, y así crear una estética para el disco y el bendito hilo conductor.
Con esto queda expresada mi humilde cosmovisión de la vida, de lo sagrado de las cosas simples, ensalzando el “groove” y el “swing” a la hora de vivir. Para mí lo sagrado no es o no debería ser algo abstracto que esta allá en el cielo separado de nosotros, sino nuestro día a día, incluyendo nuestras contradicciones, nuestra imperfecta humanidad, nuestra capacidad de convertir algo común en algo bello sin buscar la perfección. No sé si a eso se le llama paganismo… se habla y se discute tanto sobre espiritualidad y no se llega a ningún lado, yo mismo no sé qué pienso al respecto y me aburre el tema. Pero los 9 temas del disco son cantos religiosos y buscan expresar lo que las palabras no pueden hacerlo.
EB:  Musicalmente hablando, tiene características heterogéneas, ya que podemos escuchar tango, rock psicodélico, ritmos tribales, cánticos indígenas, entre otras cosas ¿Fue difícil plasmar ese cruce o se dio de manera natural?
NA Costó bastante. En un momento veía solo un collage de canciones aunadas sin ningún sentido, y creo que algo de eso quedó, lo cual no deja de crear sorpresa a la hora de escuchar el disco. Hice algunos retoques como agregar la voz del “cura” (en realidad del ingeniero de sonido, aprovechando su acento español) a un tango electrónico que recita partes del “Ave María” y que terminó por llamarse “MaDRe De dioS” (nótese que la “d” de dios es la única consonante minúscula del disco). Traté de ordenar los temas de forma que mantenga cierta coherencia rítmica también. Lo ideal hubiera sido saber qué 9 temas irían al empezar la grabación, pero son riesgos que se toman para conservar la espontaneidad, que es lo que finalmente el publico percibe.
EB ¿Cómo pensás distribuir éste material?

N.A.: Pensar en vender un material musical hoy en día, sobre todo en Argentina, sobre todo en Tucumán, es utópico. Mi idea es que quien realmente tenga interés en escuchar y apreciar “María” pueda hacerlo. Se puede descargar gratuitamente de Internet.

Me gustaría que tenga más difusión, lo cual resulta un poco difícil ya que no es del territorio específico del músico saber difundir un material, así que escucho propuestas!.

EB : ¿Qué papel juega internet en la difusión?
NA: Internet es el medio por excelencia para escuchar música hoy en día. Tiene muchas ventajas como la facilidad para compartir información, el alcance del material, etc. tiene otras desventajas como la falta de concentración a la hora de apreciar música, la falta de la caja del disco, que es un soporte visual importante (y más en este caso debido al grandioso trabajo llevado a cabo por el diseñador Sergio Allende). Lo mismo la idea del disco es que pueda escucharse sin necesariamente prestarle mucha atención, a sabiendas que comúnmente casi nadie se da un tiempo para escuchar música, apreciarla con exclusividad sin hacer nada más que escuchar. Aun quedamos unos pocos en el mundo…
EB : Contanos del estudio y el productor que grabó el disco
¿Donde hiciste la mezcla, y el mastering?
El disco empezó a grabarse en un estudio de poca calidad (humana y técnica). En la búsqueda por un lugar idóneo donde grabar, María pasó por muchas manos. Hay algunas colaboraciones de Ramiro Rodríguez quien también tocó guitarra eléctrica en un tema y algo de mezcla de Nicolás Auvieux, colaboraciones que agradezco y destaco.
El disco se mezcló mayormente en el Estudio “Mediterráneo” de Luis Atance en el cerro San Javier. El tuvo que reacomodar y solucionar todo el caos previo que le llevé, y debo decir que sacó lo mejor del material. Un verdadero profesional.
El mastering también fue hecho en el mismo estudio.
 
EB:  Hablanos de los músicos que grabaron
NA: En total grabaron 10 músicos aparte de mí: voces: Marina García, Patricia Castro, Alejandra Ayala y Melina Imhoff, bandoneón: Leandro “compadre” Martínez; saxo: Lisandro García. trompeta: Gonzalo “mocho” Caso, quien también colaboró en la composición de “Dooring”. Flauta: Jose Luis “Pancho” Arcuri;  guitarra: Ramiro Rodríguez; Sabar (percusión africana): Fall.
 Con todos músicos con los cuales en algún momento compartí escenarios, y algunos fueron y son parte de la formación estable de Foot. Creo que el alma misma de María surge de este contacto con otros músicos. Si bien FooT MaSSaGe es básicamente un proyecto personal, la música se nutre de la comunicación y del encuentro con otras personas.
EB: Actualmente: ¿en qué está el proyecto de la banda? ¿Quiénes forman parte de él?
NA: Hoy en día nos dedicamos casi 100 por ciento a tocar en eventos privados, casamientos, etc .    Es lo que le permite a la banda poder tocar en buenas condiciones y seguir existiendo, ya que la escena musical tucumana es paupérrima en muchos sentidos (ver pregunta 11).
Actualmente participan en la banda un grupo de músicos estable pero a la vez variable según el evento, Priscilla Omil (voz) Pancho Arcuri (flauta y saxo) Fall (percusión) Javier Podazza (batería) Damian Canducci (violín) y eventualmente otros invitados.
EB ¿Se puede vivir de la música en Tucumán? ¿Es redituable grabar un disco desde la óptima empresarial?
NA: SI, se puede vivir de la música en Tucumán!!!! Mas allá que la música es una necesidad básica de muchos de nosotros y un aspecto importantísimo presente en la vida de la sociedad, existe la posibilidad de que sea redituable económicamente. ¿Es fácil? No, en absoluto. La gran mayoría subsiste gracias a la docencia y en mucha menor medida a los shows en vivo, y prácticamente todos en eventos privados. Hay un círculo vicioso que no se sabe dónde comienza, pero incluye malas condiciones para tocar y poca responsabilidad por parte de los músicos. Una cosa lleva a la otra. En mi trabajo trato de revertir esta situación buscando ofrecer un servicio de calidad, no sólo en cuanto a lo artístico y rechazando trabajos que considero no son dignos para los músicos.
En esta realidad mucho tiene que ver las políticas culturales, o la falta de ellas. Pero los mayores responsables, pienso, son los músicos que aceptan cualquier oferta con tal de tocar, convirtiéndose en verdaderos mendigos. Por favor, si es redituable grabar un disco, informarme a la brevedad como se hace!!
EB ¿Hay lugares adecuados para recitales?
NA:  Conseguir un espacio donde tocar y de entrada libre (e incluso gratuita) se ha vuelto para nosotros un anhelo casi imposible. Tocar en bares o teatros implica un esfuerzo que pocas veces se justifica. Lugares hay, pero hay que ingeniárselas para no ir a perdida, para que haya equipos de sonido (y sonidistas) de buena calidad, que tengan un público estable y una buena prensa para atraer más gente, etc.
EB:  ¿Existen productores profesionales en la provincia? ¿o hay más autogestión?
NA: Creo que hay más bien autogestión y eso es un gran inconveniente. El “negocio” de la música, por llamarlo así, requiere de varias partes más allá de los músicos: productores, productores artísticos, gente de prensa, sonidistas profesionales, etc. Cada uno debería ser un entendido en su área, pero la realidad es que el músico debe arreglárselas como pueda para salir adelante.
EB: ¿Qué opinás de la política desde el Estado para con la música en general? ¿Los artistas tucumanos, son tenidos en cuenta a la hora de los grandes eventos?
NA: He escuchado que hay nuevos espacios de inclusión social en los cuales el estado juega algún tipo de rol, no sé si tan activo, como talleres de música en villas y esas cosas. Quizá haya buenas intenciones, pero no se traducen en espacios concretos para los músicos… ni para el público.
EB:  ¿Qué proyectos tenés a futuro en lo profesional?
NA: Por el momento seguiré tocando con FooT Massage, tratando de llegar a más gente y no quedarme solo con la parte comercial, que paradójicamente es el camino inverso de la mayoría de los músicos. FooT MaSSaGe creció mucho y me gustaría que pueda seguir ganando en identidad, haciendo verdadera música electrónica-fusión lo cual es el concepto general de la banda, el Chill out, por ponerle un nombre. Quizás también grabar un segundo disco, más homogéneo que el anterior y con mayor salida.
EB : Contanos un poco sobre tu reciente estadía de 4 meses en Hawaii, ¿qué te dejó como experiencia?
NA: Estar en una situación en la cual no conoces a nadie es duro y a la vez tiene sus beneficios. Es duro porque tenés que encontrar tu lugar desde cero, donde sos invisible al principio y ya todo tiene su dinámica más allá de uno. Esta es una excelente oportunidad para innovar, buscar nuevos recursos, estar más abierto a la gente, reinventarse a uno mismo, traer nuevas ideas e inspirarse.
 Mas allá de lo paradisíaco de sus paisajes, lo positivo de Hawaii es ver como en general la gente sabe vivir mejor en sociedad, hay más respeto y buen trato con el otro. Es una sociedad más abierta. También aprendí a valorar los espacios que tenemos en Tucumán, tierra fértil para las ideas y proyectos, donde siempre se descubre algo nuevo y se puede crear.
EB: Para despedirnos,  algo que quieras agregar o decir
 NA: Gracias Homero por permitirme decir tantas cosas que tenía guardadas, sobre todo del disco y de este extraño trabajo que es ser músico en Tucumán. Y gracias a todos los que tuvieron parte en la creación y apreciación de “María”. A eso de “escribir un libro, tener un hijo, plantar un árbol” podríamos agregarle “grabar un disco”, es mágico ver como la obra de uno se despega de uno y empieza a formar parte de la eternidad.

Crónica del recital de Tony Levin (Stickmen) en Tucumán , octubre de 2011

Posted on Actualizado enn

TONY LEVIN  TOCÓ EN TUCUMAN Y DIO CÁTEDRA DE  BUEN ROCK PROGRESIVO
                                              El bajista oriundo de Boston  actuó en Tucumán en octubre de 2011 y se llevó una ovación de los fanáticos de todas las edades que colmaron el teatro San Martín.
                                              Sin dudas la figura de Tony Levin roza la leyenda. Con 65 años y una vasta trayectoria en la escena rockera mundial, éste músico tocó con grandes como Paul Simon, John Lennon (grabó en su último disco),  Dire Straits, Pink Floyd, Carly Simon,  King Crimson, y Peter Gabriel, entre muchos otros.
                                              El proyecto que lo trajo a Tucumán fue  en formato de trío, junto a Pat Mastelloto y Markus Reuter, llamado Stickmen y con el cual recorrió ya medio mundo.
                                              El recital comenzó de manera demoledora: durante ocho minutos en los cuales hicieron su presentación los distintos instrumentos, para dar lugar luego a una versión (en castellano!) de un clásico de King Crimson como “Indiscipline”, hicieron las delicias del público asistente, entendedor de una música tan poco comercial como de culto para las legiones de seguidores del rock progresivo.
                                              Así, pudo apreciarse tema tras tema la contundencia sonora de este trío, con arreglos impecables, y un género dificilísimo de clasificar: ¿cómo encajar a ese universo sonoro en algún estilo musical? Incluso conceptualmente, sus incursiones sonoras más livianas (ambientes climáticos) dieron lugar al frenesí de locura con temas como “Thrak” o “Elephant talk” en el cual Levin deleitó con su Chapman Stick, el instrumento que combina bajo eléctrico y guitarra con efectos.
                                              En poco más de dos horas de show presentó su último proyecto, Stickmen  con el cual grabaron dos discos . Su música  es inclasificable y por momentos parece de otro planeta; no utiliza escalas musicales reconocibles, y las estructuras rítmicas son muy complejas, entrecruzando patrones sincopados y atonales que hicieron las delicias del entendido público.
                                              Para el cierre, dos temas más de la época de colaboración con Robert Fripp, que mostraron una prolijidad y un profesionalismo de primera línea.
                                              Cuando concluyó todo, gentilmente los tres músicos estadounidenses se acercaron a firmar autógrafos y a sacarse fotos con el público local, en un gesto para rescatar y que seguramente lo hacen en cada una de sus presentaciones.
                                              En resumen, fue un lujo poder haber asistido a un concierto de una figura tan notable en la escena musical mundial,y  en nuestra ciudad; un pedazo de la historia contemporánea de la escena rockera  a nivel mundial que esperemos se repita.

Crónica del recital de The Wailers en Tucumán (2011)

Posted on Actualizado enn

LA VISITA DEL AÑO 2011 : THE WAILERS
                                              La mítica banda fundada por Bob Marley en la década del ’60 actuó en el estadio Floresta el 9 de setiembre para deleite de más de 2000 personas.
Fue una noche para el recuerdo; la gente colmó la cancha de basket desde temprano, cuando actuaron los teloneros Guru y Los Tunches, que presentaron su propia versión del ritmo caribeño.
Cuando le tocó el turno a los jamaiquinos liderados por el mítico Aston Barrett, desplegaron lo que mejor saben hacer desde hace cuatro décadas: bellas canciones, con profundos arreglos corales y melódicos, inspirados en la religión rastafari y su filosofía de paz y amor universal.
El show estuvo dividido en dos partes: en la primera hicieron todo el disco de 1980 “Uprising” como homenaje (se cumplían 20 años), en un descollante ir y venir de clásicos que fueron cantados como una misa por todos los presentes. Así sonaron clásicos como “Coming in from the cold”, “Pimper’s Paradise” o el gran himno universal que es “Redemption song”.
La segunda parte fue más ecléctica: se dieron el gusto de hacer “Johnny B Good “ (versión de Peter Tosh) y todos los grandes temas que formaron parte del catálogo imprescindible del gran Bob Marley : “One Love”, “Get up , stand up”, “Exodus”, “Buffalo Soldier”, “I shot the sheriff”, entre otros.
El único miembro original que queda en la banda es  en realidad Barrett, siendo los otros músicos más jóvenes con los cuales giran alrededor del mundo esparciendo el mensaje universal de sus canciones. Dos voluminosas coristas, con vestidos coloridos, llenaron el aire de talentosas voces negras, dignas del mejor góspel que se haya escuchado por estas tierras. Dos cantantes hicieron falta para suplir la voz principal, y lo cumplieron medianamente, aunque sea tarea imposible suplir a tamaño registro vocal como tenía Bob.
Los jamaiquinos, que se mostraron todo el tiempo como gente muy sencilla, se acercaron al público antes y después del show, en una muestra inédita de humildad.
Una vez más, el tinglado de Floresta conspiró contra el sonido, y tuvieron que hacer realmente malabares los técnicos para contrarrestar el inconveniente. A pesar de eso, el público se retiró conforme luego de más de dos horas de show, con la satisfacción de haber presenciado el concierto del año en estos lares.

Alem, “Intelligent chabón” (2009)

Posted on Actualizado enn

 ALEM : “Intelligent chabón”

Alem fue formada desde las cenizas de lo que fue  La Luzbel, aquel grupo que a comienzos del 2000  homenejeaba  al maestro Luzbel Giaccobe, y que musicalmente estaba más emparentada con el ska que con el pop.
Luego de un proceso de maduración, llegaría  su primer disco, “Intelligent Chabón”, del año 2009, en el cual el grupo se orienta definitivamente hacia una estética de guitarras prominentes y canciones redondas , concisas, con gran calidad.
A lo largo de sus diez temas, ésta banda tucumana  (algunos de cuyos integrantes residen en Buenos Aires) despliega un  puñado de grandes melodías, con arreglos muy bien logrados.
Su track de apertura, “Ni un gramo”, destila adrenalina y vértigo, con un sintetizador atronador. “Colabore con el cambio” presenta un minimalismo magistral, cantado suavemente con la voz grave de Pablo Bustos. “Lo que nos falta”, sin duda lo mejor del disco,  tiene su fantástico video clip (ver aparte) y es una bella canción de amor-desamor,  quizás una de las mejores canciones del pop tucumano en mucho tiempo . “Mi peor enemigo” vuelve a explotar bien alto: “te dejo algunas cobardías/más tarde las paso a buscar…” . En “Yo la quiebro”, el omnipresente sonido distorsionado hace de colchón de manera efectiva, con melodías cercanas a Yo la tengo y Wilco, carga con su melancolía lacónica. “Que valga la pena” es otro punto alto, tanto musical como líricamente:  “qué puede salir mal / y que pase lo que tenga que pasar” en una entrega casi existencialista. “Plop” tiene un estridente comienzo, otra dosis de pop con guitarras bien surfers. Llegamos a “Qué me importa”, a mi criterio una breve joya de antología: “No hago canciones que salven al mundo / solo escribo de seguro es para mí” sobresale como composición. “Mucho y muy” es casi una ranchera folky, con  coros muy bien logrados retoma el sonido acústico. Y cierra el combo la genial “Tijeras chinas”,  con pura emoción y poesía urbana.
Difícil de superar, “Intelligent chabón”  ofrece  a lo largo de sus 10 pistas buenas dosis de rock indie, combinación perfecta de guitarras fuertes, melodías  vocales bien logradas(su cantante y letrista, Vladimiro Diéguez, brillante en sus interpretaciones), y una base rítmica contundente. A esto se suma la inclusión del sintetizador en los momentos más intensos, que  agrega un toque moderno, cautivante.  Emanuel Diez parece una aplanadora en la batería , al igual que  los demás instrumentos. Así, despojados de todo sentimentalismo snob, los Alem proponen contundentes dosis de creatividad y profesionalismo, para crear uno de los mejores discos del género y sin dudas, el disco del año.
Mi favorito: “Lo que nos falta”
 Videos oficiales:
“Lo que nos falta”
“Qué me importa”
Músicos:
Vladimiro Diéguez (voz)        Pablo Bustos (guitarras)
Emanuel Diez (batería)   Eduardo Vardiero (sintetizadores, producción artística)
Marcelo Papetti (teclados)